El Arte Callejero: BANKSY

Banksy es el seudónimo de uno de los referentes artísticos más importantes del Street Art británico y también un completo “desconocido” ya que a pesar de ser conocido a nivel mundial por tener pintadas en todas partes del mundo y varias galerías, Banksy ha conseguido mantenerse en el anonimato y nadie sabe cuál es su identidad real.

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La mayoría de sus pinturas son piezas satíricas sobre política, cultura pop, moralidad y etnias, en las cuales se pueden ver mensajes antiguerra, anticapitalismo y antisistema y a pesar de que Banksy coloca ideas fuertes en sus trabajos, siempre se le ha reconocido por su gran sentido del humor que bien refleja en sus graffitis.

Utiliza su arte urbano callejero para promover visiones distintas a las de los grandes medios de comunicación. Esta intención política detrás de su llamado «daño criminal» puede estar influida por los Ad Jammers (movimiento que deformaba imágenes de anuncios publicitarios para cambiar el mensaje).

Para realizar las pinturas combina escritura con graffiti a través del stencil (una técnica artística de decoración en que una platilla con un dibujo recortado es usada para aplicar pintura) técnica que usó para poder ir más rápido en el momento de realizar sus obras.

Sus obras son muy populares al ser visibles en varias ciudades del mundo, especialmente en Londres. y son varios los temas que se repiten en sus obras: ratas, monos, soldados orinando, policías, etc.

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Además también es conocido por haberse introducido disfrazado, en famosos museos de todo el mundo, para colgar algunas de sus obras de manera clandestina. De este modo, ha colocado obras suyas varios museos como el MOMA, la galería Tate Modern de Londres o el museo de Brooklyn.

Hace unos años tuve la oportunidad de contemplar alguna de sus obras cuando visité la ciudad y me dejaron con la boca abierta, eso de ir andando por la calle y encontrar graffitis de ratas, monos, soldados orinando o policías llamó mucho mi atención, podríais imaginar mi asombro ¿verdad?, y además llegar a Candem y ver cientos de puestos vendiendo replicas de sus obras, por supuesto me compré una y desde ese momento soy fan de Banksy.

PD: Os animo a visitar su página web, son muchas sus obras y no tienen desperdicio: Banksy

La historia del Azul Klein: De la pintura a la moda.

En el “diccionario de la moda” se escucha hablar del color que todas deseamos llevar pero quizás no todos sabemos su procedencia. Hablamos del Azul Klein uno de los colores que llegó pisando fuerte el último verano y que continúa en el presente.

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AZUL KLEIN, nombre que proviene de su creador, no hablamos ni de Calvin Klein, ni de un azul pantone sino que hablamos de un pintor, el pintor Yves Klein quién hayá por la década de los 50 patentó este color eléctrico y muy favorecedor.

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La mayoría de sus trabajos eran pinturas monocromáticas en una amplia variedad de colores pero a finales de los años 50 Klein se centró en un solo color, el azul intenso, que patentó como International Klein Blue (IKB) o Azul Klein.

Además de ser pinturas monocromáticas el pintor jugó mucho más allá experimentando con diferentes rodillos y esponjas e incluso llegó a recharzar el pincel para trabajar con el cuerpo de la mujer el cual cubría de pintura y la hacía pasar por un lienzo.

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Esta técnica de trabajo la designó como ANTROPOMETRÍA y la creación de estas pinturas fueron concebidas como el comienzo de las performances, debido a que, en una de sus exposiciones de arte, Klein hizo que los asistentes vistieran de etiqueta y presenciaran a la modelos “pinceles vivientes” (así era como el las llamaba) mientras una orquesta tocaba la pieza The Monotone Symphony del propio Klein, compuesta de una sola nota durante 20 minutos para continuar con otros 20 minutos de silencio.

Yves Klein era dadaísta, espiritual y amaba el zen y al igual que muchos otros mitos de obras de arte, murió joven a los 34 años de edad.

Dato de moda: Las grandes firmas de moda han decidido ponerle el sobrenombre de Azul Style.

La mujer “BIÓNICA”

Bella, sensual, talentosa y también “biónica”, una mujer de admirar, la cual ha hecho de su debilidad una fortaleza, convirtiendo su “discapacidad” en un símbolo, ser diferente.

VIKTORIA MODESTA conocida como la primera artista biónica del mundo, nació con un grave problema en la pierna izquierda, lo que la tuvo ingresada en varios hospitales toda su niñez, hasta tal punto que el sistema soviético ofreció a la madre dejar a la niña “defectuosa” en un instituto pero su madre se negó reteniéndola consigo. A los 20 años le amputaron la pierna a la altura de la rodilla después de años con problemas de movilidad debido a una malformación congénita, que le llevó incluso al deseo del suicidio.

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Era modelo, cantante, compositora y artista y la amputación le cerró las puertas del circuito artístico porque la falta de una parte de su y cuerpo y su asimetría la convertían inmediatamente en una discapacitada o ser repulsivo, pero esta joven letona de 27 años no se rindió y siguió adelante con su sueño.

Su estrategia fue utilizar sus prótesis de la pierna izquierda como parte de su identidad haciéndolas bellas, interesantes y únicas.

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El videoclip de su primer sencillo “Prototype” comienza con una contundente frase “Forget what you know about disability”, un mensaje claro y sencillo como llamamiento a derribar los prejuicios que se tienen acerca de la discapacidad, sin duda se muestra como una heroína llena de fuerza que no trata de ocultar sus prótesis, sino que ellas forman parte de su identidad.

Os invito a ver el vídeo hasta el final!!

 

La finalidad de Viktoria no es verse “normal”, sino crear una nueva identidad y que no la califiquen como una bella discapacitada. 

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Y surgió el Impresionismo: Sol Naciente de Claude Monet

Si me preguntáis el motivo, os sorprenderá saber que no sé explicar por qué esta obra se cuenta entre mis favoritas. No es especialmente elaborada ni enrevesada, ni que narre ninguna historia apocalíptica o heroica. Quizá su misticismo como obra pionera sea lo que le ha hecho un hueco en mi corazón.

Impresión Sol Naciente es un óleo sobre lienzo realizado por Claude Monet en 1874. El artista explicó lo siguiente sobre el título de su obra: “El paisaje no es otra cosa que una impresión, una impresión instantánea, de ahí el título, una impresión que me dio. He reproducido una impresión en Le Havre, desde mi ventana, sol en la niebla y unas pocas siluetas de botes destacándose en el fondo… me preguntaron por un título para el catálogo, no podía realmente ser una vista de Le Havre y dije ‘pongan impresión’.

Lo habitual era el que los artistas expusieran sus obras en el Salón Oficial. Los que eran rechazados buscaban otros lugares para exhibir sus obras. Así, un grupo de pintores organizaron ocho exposiciones entre 1874 y 1886 al margen del Salón Oficial, que estaba controlado por la Academia de Bellas Artes de París. Este hecho fue fundamental en la independencia del artista moderno con respecto a las instituciones académicas y en la creación de un mercado privado de arte, dado que por primera vez los pintores, organizados en grupo, exponían sus obras dándolas a conocer a posibles compradores.

La primera exposición impresionista tuvo lugar el 15 de abril de 1874, en el Salón del fotógrafo Nadar. Se presentaron bajo el nombre de “Sociedad Anónima de pintores, escultores y grabadores”. Intervinieron, entre otros, artistas como Monet, Pissarro, Renoir o Cézanne. Desde entonces las exposiciones se irán sucediendo en el tiempo con sedes diferentes.

El término «impresionistas» está tomado de este cuadro con ánimo despectivo. El periodista Louis Leroy escribió un artículo burlón en el que definía a estos pintores como “impresionistas”, término que caracterizó definitivamente al nuevo grupo. La reacción de Leroy se puede entender, puesto que la pintura de Monet violaba numerosas convenciones artísticas. No obstante, también los críticos favorables al nuevo estilo empezaron a utilizar el término «impresionistas» para referirse a estos pintores.

Para entender el rechazo a la obra hay que tener en cuenta que la palabra “impresión” era equivalente a boceto en aquella época. La Academia pedía a los pintores un boceto inicial sobre la que trabajar posteriormente. Por esto, presentar un cuadro que es solamente una impresión o boceto fue tomado como una provocación; mandar al Salón una obra sin terminar era más de lo que podían admitir los miembros del jurado.

(Quizá la irreverencia de Monet también haya ayudado para que sea una de las obras que más me gustan)

DESCRIPCIÓN DE LA OBRA

Monet trata de representar un instante de un amanecer, de ahí su título Impresión Sol Naciente la simple elección de este tema ya rompe con el academicismo que imperaba a finales del XIX. Dentro del movimiento impresionista no existen unos temas más importantes que otros, cualquier tema es válido, lo importante es como se resuelve el cuadro, y si éste es capaz de capturar el instante. Para Monet la velocidad de los nuevos medios de transporte, la aceleración del ritmo de vida o la rapidez de los acontecimientos debía plasmarse en el arte, así que es que trata de copiar del natural un instante, la luz fugaz del amanecer que llena de suaves y cálidas tonalidades la bahía.

Para conseguir esta sensación de fugacidad utiliza pinceladas yuxtapuestas a partir de colores primarios, que reconstruyen la imagen a cierta distancia. Se prescinde de algunos colores como el negro, que no existe en un estado puro en la naturaleza, en su lugar se utilizan tonos fríos para las sombras. Por efecto de la luz, las formas se difuminan logrando la ansiada desmaterialización que persigue el Impresionismo.
La técnica utilizada es de pinceladas cortas, pastosas y compactas, prescindiendo de líneas o dibujo,  que convierten a la luz en la auténtica protagonista de la obra, tratando de representar el instante fugaz del amanecer.
La composición también es más arriesgada que en el arte academicista, así el motivo principal no se sitúa en el centro de la obra. También se prescinde de la perspectiva geométrica.

 

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