The devil wears Prada

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Cine Y Moda Dos expresiones artísticas que funcionan muy bien juntas.

En el mundo de la moda en Nueva York, donde la talla 0 es la próxima 2, la seis es la nueva 8 y un mal peinado puede acabar con tu carrera, la revista Runway es el Santo Grial. Dirigida con puño de hierro y elegante manicura por Miranda Priestly (Meryl Streep) – la mujer más poderosa en el mundo de la moda – Runway es un terrible reto para todo aquel que quiera triunfar en este mundo. Para convertir Runway en la biblia de la moda de Nueva York y por lo tanto de todo el mundo, Miranda no ha dejado que nada se interponga en su camino… incluyendo una larga lista de ayudantes que no han dado el nivel. Es un trabajo en el que una persona con autoestima no podría sobrevivir, aunque es una oportunidad por la que matarían un millón de chicas en Nueva York.

Trabajar como ayudante de Miranda podría abrir cualquier puerta a Andy Sachs (Anne Hathaway), recientemente graduada. Más que modelo de alta costura es una chica desaliñada, y destaca en el pequeño ejército de guapísimas periodistas de la moda del equipo de la revista Runway – superdelgadas divas de la moda que clavan sus zapatos de aguja en los pasillos de la oficina central de la publicación en Manhattan. Pero cuando entra Andy a trabajar, empieza a entender que para triunfar en este negocio va a necesitar algo más que iniciativa y determinación.

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Y la prueba definitiva está delante de ella, vestida de pies a cabeza de Prada. Miranda puede hacer girar el mundo de la moda como una pelota de baloncesto, pero para ella es una pesadilla encontrar a una ayudante que le dure. Andy no es la persona idónea para el trabajo, pero tiene algo de lo que carece el resto de las aspirantes: se niega a fracasar.

Para convertirse en la asistente perfecta, Andy tuvo  que cambiar la imagen que Miranda se ha hecho de ella. Pronto, para consternación de su novio (Adrian Grenier), aprende a utilizar la jerga del negocio al hablar y a comportarse como una auténtica experta de la moda (sobre unos inmaculados Manolos), no confundiendo nunca jamás a Dolce con Gabbana. Pero cuanto más ve la vida a través de los ojos de Miranda, más empieza a entender que el mundo de Miranda es fabuloso pero muy solitario – y que a veces para tener un gran éxito hay que hacer un enorme sacrificio…

El personaje de Miranda está inspirado en Anna Wintour, directora de Vogue en los Estados Unidos.

Esta ha sido la obra de mayor difusión de la  escritora Lauren Weisberger. Se mantuvo seis meses en las listas de superventas  de New York Time . Además, ha sido vendida en 31 países. Fox  realizó una película protagonizada por Meryl streep  interpretando a Miranda Priestly y  Anne Hathaway en el papel de Andrea Sachs.

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Los hombres que miraban fijamente a las cabras

No cabe duda de que el material literario en el que se inspira ‘Los hombres que miraban fijamente a las cabras’ resulta cuanto menos interesante. Un best-seller de Jon Ronson que resulta ser un estudio sobre los intentos del gobierno norteamericano de aprovechar las capacidades paranormales para combatir al enemigo. Eso, unido a un reparto que busca en el disparate y la comedia absurda una forma de brillar (sin conseguirlo) en pantalla, es lo más atractivo a priori.

Lo que debía ser una sátira sobre el ejército y sus artimañas secretas acaba siendo una narración que se desinfla tras su inicio esperanzador y que se intenta apoyar en los gags y chistes para desarrollar la historia, pero que apenas consigue algún momento meritorio. Y si éste lo hay es por ver cómo Kevin Spacey, Jeff Bridges, Ewan McGregor o George Clooney campan a sus anchas buscando convertirse en el rey de esta historia que tanto prometía

Tantos altibajos en la narración, sin un hilo conductor que guíe al espectador, acaba acumulando escenas de humor absurdo, que ni siquiera saber sacar el máximo provecho de la comicidad de Spacey o del mismísimo Jeff Bridges, que conforme avanza el metraje acaba pasando de eje de la historia a secundario de último plano.

“Fargo” otra gran historia real inventada

 

Minnesotta es un desierto de nieve en el que nunca pasa nada. Sobre ese blanco níveo, los hermanos Coen nos proponen un viaje salvaje, divertido y sangriento a una historia presentada bajo la premisa “basada en un hecho real”, pero enteramente concebida por estos inspirados hermanos.
Como en otras películas de su espléndida filmografía, un hecho mínimo va a desencadenar unas consecuencias devastadoras sobre los protagonistas. En este caso, W.H. Macy, que construye un personaje magnífico (es inocentón, apocado, un buen hombre con decisiones equivocadas…), quiere conseguir dinero para emprender un negocio y saldar sus deudas; como no podía ser de otra manera, su entorno es un nido de víboras (magistral Harve Presnell haciendo de suegro avaricioso) y para eso recurre a dos “profesionales” sin escrúpulos para que secuestren a su mujer: el estupendo S. Buscemi y P. Stomare.
La genialidad de esta película es que perteneciando por derecho propio al género negro, llega a él realizando una comedia despiada, rezumante de un humor negro desenfadado y estrambótico, mostrándonos a una galería de personajes que sólo pueden tener acomodo en un paisaje tan rural como el que me muestran en la película. De hecho, parte de la riqueza de esta película surge del hecho de constrastar la placidez de unos personajes (estupenda la secuencia en la que un vecino informa de la “gente rara” que vio; o la espléndida F. McDormand que compone una “policía” única en toda la historia del cine), sobre el temperamento más sanguinario y violento de otros. Una violencia bizarra que de todos modos siempre estará escoltada por la sonrisa.
Para eso, los hermanos Coen se valen de una realización muy estilizada (prodigiosos los travellings, los planos generales de esa Minnesotta helada, el maravilloso picado que muestra el enfado de Macy), con el manejo tan inspirado al que nos tienen acostumbrados.
Como no podía ser de otra manera, el reparto está sublime. La verdad es que no sabes a cuál destacar, pues el trío protagonista (Macy, McDormand y Buscemi) están llenos de tal autencidad que habla del prodigioso trabajo que realizan.
“Fargo” es una parada obligatoria, una cita maravillosa para todas las personas que crean que el cine es el arte más divertido del mundo.

Schindler’s List (La lista de Schlinder, 1993)

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Una Obra maestra de Steven Spielberg

La película que cambió el lugar de Steven Spielberg en la historia del cine, Después de exprimir las taquillas, Spielberg decidió rodar otro film genuinamente personal. El enfoque «arty» (blanco y negro, algún toque vanguardista inusual en su cine) y la elección de un asunto tan peliagudo como el holocausto judío-asunto que Spielberg logró tratar con crudeza pero sin excederse con los tics melodramáticos habituales-convencieron finalmente a los críticos de todo el mundo: Spielberg era un artista. La lista de Schindler recibió una avalancha de elogios. Para ilustrar el cambio de percepción: de doce nominaciones al Oscar ganó siete, incluyendo los premios ¡a mejor película y mejor director!.

ecoge el argumento de la novela de Thomas Keneally El Arca de Schindler, que se basa en un hecho real histórico que sucedió en la Segunda Guerra Mundial. Nos recuerda cómo Oscar Schindler (Liam Neeson), un rico e influyente empresario alemán nazi establecido en Cracovia, pretendió levantar una fábrica sirviéndose de una mano de obra barata, la judía, para lograr el máximo beneficio a costa del bajo precio de sus empleados. Para ello, contó con la ayuda y la administración de un contable judío, Itzhak Stern (interpretado por Ben Kingsley). Mientras se beneficiaba de la eficaz producción de su fábrica, Schindler vivió personalmente la situación genocida de sus compatriotas y el abuso inhumano de la población semita. Fue entonces, cuando su espíritu egoísta y ambicioso se transformó y movido por la caridad y el amor a todo ser humano, se convirtió en uno de los héroes más reconocidos de la historia al lograr salvar a 1.100 judíos del Holocaustro.

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No se me quita la vista,  la angustiada cara de Liam Neeson, con ojos llorosos y gesto desesperado, mientras a su alrededor se aglomera un grupo de hombres y mujeres dramáticamente enternecidos: “El coche. ¿Por qué me quedé el coche? Valía diez personas. Diez personas. Diez personas más… Esta pluma. Dos personas. Es de oro… Dos personas más… Él me hubiera dado dos personas por ella, al menos una. Una persona más. Una persona, Stern. Por esto… ¡Pude haber salvado a una persona más y no lo hice! ¡Y… y no lo hice…!”. Steven Spielberg nos ha estado preparando para ese final durante tres horas de película. Un final melodramático que expresa algo terrible.

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Una de las curiosidades de la película

El único toque de color de la película,rodada en blanco y negro, el abrigo rojo de la niña.

El cartel de la película es una mano grande agarrando una mano pequeña con una manga de color rojo, presumiblemente se refiere al deseo de Schindler de haber salvado a la niña de la chaqueta roja.

http:// Schindler’s List – Official Trailer [1993]

Die Welle. La Ola.

La Ola, es un film alemán inspirado los sucesos que tuvieron lugar en 1967, cuando tras cinco días de experimentos el profesor de historia Ron Jones tuvo que interrumpir el proyecto «La tercera ola» con el que pretendía demostrar a sus alumnos de la escuela Cubberley de Palo Alto (California) la dimensión real y los peligros de la autocracia. Obtuvo el resultado contrario. En 1981, el escritor estadounidense Todd Strasser narró en su libro «The Wave», bajo el pseudónimo Morton Rhue, los hechos que recuperó el director Dennis Gansel en clave de thriller y ubicando los hechos en Alemania en la época actual.

Lo que comienza con una serie de ideas inofensivas, como la disciplina y el sentimiento de pertenencia a un grupo, se va convirtiendo en un movimiento real: LA OLA. Al tercer día, los alumnos comienzan a aislarse y amenazarse entre sí.

Cuando el conflicto finalmente rompe en violencia durante un partido de waterpolo, el profesor decide no seguir con el experimento, pero para entonces ya es demasiado tarde, LA OLA se ha descontrolado…

Podemos observar como se puede influenciar en mayor o menor medida a los individuos dependiendo de la situación personal y social en la que se encuentren. Los personajes de la cinta con mayores problemas personales o que se encuentran en situación de exclusión social son los más influenciables y por lo tanto los que mejor acogen el experimento. Como contrapartida, también hay personajes que tienen las cosas más claras y no se sienten a gusto participando de este ensayo.

No es tan difícil influenciar a las personas, sobre todo en el mundo actual, y los ejemplos en la vida real abundan allá por donde miremos. Por ello, es fundamental contrastar todo tipo de informaciones y opiniones, leer mucho y sobre todo dudar de todo. La única forma de comprender las cosas es dudar de todo, no creerse nada, especialmente lo que nos llega través de los medios de comunicación, todos ellos ligados a algún tipo de interés. Si nos aferramos ciegamente a unas creencias, esa venda que le ponemos a nuestros ojos no nos permitirá ver más allá, y las mentes cerradas son las más dañinas a nivel personal, y por ende, a nivel social.

“Hablan mucho de la belleza de la certidumbre como si ignorasen la belleza sutil de la duda. Creer es muy monótono; la duda es apasionante.”

Oscar Wilde (1854-1900) Dramaturgo y novelista irlandés.

A continuación podéis encontrar la película completa en castellano:

 

 

Evasión o victoria: un clásico del cine bélico basado en hechos reales.

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Hace poco volví a ver esta curiosa película, rodada a principios de los 80, y en la cual se reunieron buenas parte de las estrellas del balón de ese momento junto a actores consagrados del momento como Michael Caine y otros emergentes como Stallone.

La película está basada en un hecho real, el partido de la muerte. Durante la II Guerra Mundial, un grupo de ciudadanos ucranianos (durante la ocupación nazi) que se organizaron como equipo de fútbol FC Start, para jugar un partido contra un equipo compuesto de oficiales nazis de la Wermacht. En la película, en cambio, los jugadores son un conjunto de militares prisioneros de guerra de distintos países aliados, principalmente ingleses.

Pero no acaban ahí las diferencias. En la película, aunque alguno de los nazis tratan de hacer trampas “comprando” al árbitro, no amenazan en ningún momento a los jugadores aliados; en la realidad, los jugadores fueron amenazados: si ganaban el partido, lo pagarían con sus vidas. Finalmente la película acaba con una fuga exitosa, mientras que en la realidad, la amenaza de los nazis se cumplió y poco después todo el equipo del FC Start fue ejecutado.

Cuando estaba viendo la película me puse a investigar si estaba basada en hechos reales, como creía recordar, pero me llamó poderosamente la atención la transformación tan curiosa de la historia. Puedo entender la parte de “occidentalización” de los protagonistas (al fin y al cabo, estaban en plena guerra fría, no era momento de mostrar como héroes a los ucranianos…), pero me choca que una historia dramática con muchísima fuerza épica sea transformada en una aventura amable, donde los nazis actúan como caballeros, y donde la estancia en el campo de concentración nazi es casi como un campamento de verano. Es posible que la reciente, y no demasiado agradable, finalización de la guerra de Vietnam cuando se rodó la película, generara en los estudios de cine una necesidad de dulcificar la guerra. Desde ese momento, estoy tratando de recordar otras películas de esta temática y época en las que también se opta por transformar humanitariamente la guerra y los campos de prisioneros, en contra del estilo más crudo y realista que, con los años, se impondría, como en La Chaqueta metálica, Salvar al soldado Ryan, El Pianista, La Lista de Schindler. Seguiré investigando…

 

PD: Una curiosidad estilística: la película original se llama Victory, de ahí la postura forzada de los protagonistas en la portada, que con sus brazos y cuerpos forman una drástica V roja.

 

Hubo un antes de Snatch: Lock & Stock

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Después de leer el post que ha publicado el compañero José Manuel sobre Snatch, cerdos y diamantes, no me puedo resistir a comentar la película que años antes rodó Guy Ritchie y que es una especie de precuela de la misma: Lock & Stock & Two Smokings Barrels.

Mismo director, mismo estilo, argumento similar, actores compartidos y algunos personajes muy, muy parecidos. Los más fanáticos descubrirán que algún personaje incluso parece retomar en Snatch sus últimas escenas en Lock & Stock.

Tremendamente divertida, explora el poco habitual género del thriller-comedia, que sólo algunos maestros como Tarantino han sabido trabajar con éxito.

La revista Total Film la nominó como una de las mejores películas británicas de todos los tiempos, en el puesto 38.

Fue la película debut de dos deportistas profesionales que se habían criado juntos y que a partir de ahí desarrollaron una fulgurante carrera como actores: Jason Statham y Vinnie Jones. La segunda película de ambos fue, claro está, Snatch.

Snatch, cerdos y diamantes.

Hace ya algunos años, que empecé a coleccionar en mi retina, un gran abanico de películas, películas malas, películas infumables, películas buenas, peliculones o simplemente maravillas del cine bajo mi punto de vista. Aquí entra en juego la percepción de cada uno para ver y analizar dichas películas y juzgarlas bajo su criterio. Mi criterio es que toda película te tiene que demostrar que vale por algo, ya sean sus monólogos, la historia, sus valores o simplemente por el grado de interés que despiertan en el espectador cuando la está visualizando.

Dicho esto, hoy os traigo una escena de la película Snatch, Cerdos y diamantes, una película que recomiendo encarecidamente ya que no tiene desperdicio alguno y su reparto tampoco. Bien, quiero mostraros la escena de Tony Dientes de bala (uno de los personajes de la película) porque aquí se demuestra la importancia de observar y de mantener la calma bajo una situación límite ya sea en el trabajo, con amigos o en casa, ya que si observamos y mantenemos la calma, siempre podremos localizar un punto donde tener ventaja y con el que poder dar solución a nuestros problemas.

 

Espero que os haya gustado y perdonar el lenguaje soez de “Tony” pero es su naturaleza no podemos luchar contra ella, los que habéis visto la película me comprenderéis.

También os dejo el tráiler de la peli por si os animáis a verla.

Coco Chanel, una de las mujeres más influyentes del siglo XX.

Gabrielle Chanel era una mujer de armas tomar, segura, fuerte y que no se rindió a pesar de las adversidades que le deparó su juventud y su vida.Se convirtió en una de las modistas más prolíficas de la historia y una de las más innovadoras durante la 1ª Guerra Mundial.

Provenía de una familia humilde, su madre falleció cuando ella tenía 12 años y su padre un vendedor ambulante la entregó al cuidado de unas monjas en un orfanato de Corréze. Pasó seis años allí y fue en ese lugar donde aprendió a coser.

Sus ansias de libertad e independencia la empujaron a abandonar el orfanato y encontró trabajo en una  pañería como ayudante, los hombres que iban allí la invitaban al cabarett donde Gabrielle se sintió atraída por el mundo del espectáculo y empezó a cantar sobre los escenarios de un café llamado “La Rotonde”. Fue allí donde comenzaron a llamarla “la petite Coco” debido a dos de sus canciones de su repertorio  <<Ko ko ri ko>> y <<Qui qu´a vu Coco?>>.

 

Gabrielle desafiaba a las leyes sociales de la época, hablaba de tú a tú a los hombres y confeccionaba su propio vestuario. Con 22 años se enamoró de Balsan un joven burgués adinerado que la liberó de su vida humilde para mostrarle el lujo y el ocio entre fiestas y carreras de caballos, poco después conoció al que sería uno de los hombres más importantes de su vida Capel, el que le apoyó para montar una sombrería que poco después se convertiría en un salón de Costura. Así nació una de las marcas más emblemáticas y reconocibles de la industria de la moda, “CHANEL”.

Su firme determinación y su carácter la llevó a imponerse a la moda rígida de principios del siglo XX momento en el cual fue considerada la personificación de la “nueva mujer”. Instauró otro estilo más simple e innovador para las mujeres, un estilo masculino basado en una línea de ropa informal, sencilla y cómoda. Marcó el comienzo de la androginia y de sus experiencias creó un nuevo look y un nuevo estilo de vida. Dirigió su atención al público joven y se convirtió en un icono de estilo.

Con ella aprendí que nunca debes abandonar tus sueños.

 

29 frases legendarias de la visionaria Coco Chanel

Concepto de moda: LBD (Little Black Dress): La muerte de Capel hizo que Chanel abatida por el dolor comenzara a utilizar prendas negras en señal de luto, y al poco tiempo diseñó el denominado “pequeño vestido negro” que en 1926 fue calificado por la revista Vogue como el “atuendo que todo el mundo usará”. Y efectivamente, a día de hoy, sigue siendo una de las prendas imprescindibles en el armario de toda mujer.

 

The Godfather (El Padrino, 1972)

No recuerdo exactamente cuándo descubrí esta película. No tendría más de 12 años. Mi hermana monopolizaba el único VHS que teníamos en casa con títulos como “Grease” y “Two of a Kind” (con el binomio, tan de moda entonces, formado por John Travolta y Olivia Newton-John). Al principio intentaba aprovechar el hecho de ser el mayor de la casa pero al poco tiempo, y ante el fracaso de mi estrategia, decidí unirme a mi hermana (si no puedes con tu enemigo, únete a él) O eso dicen.

Después de tragarme, y atrangantarme, infinidad de veces con los títulos antes mencionados (debo reconocer que Grease llegó a hacerme gracia), en algún momento que no recuerdo tuve la oportunidad, por fin, de elegir película.Solamente una ocupaba mis pensamientos: The Godfather.

Los ojos de un niño se maravillan con facilidad ante cosas que un adulto no puede (o no quiere) ver. Los míos no hicieron eso. En apenas diez minutos un servidor ya estaba babeando el brazo del sofá sin ningún tipo de reparo. No volví a pensar en este filme hasta pasados unos cuantos años, cuando un ejemplar de “El Padrino” de Mario Puzo (1969) cayó en mis manos de rebote. Al principio ni siquiera fui capaz de establecer una relación. Una semana después ya había visto la película al menos cinco veces.

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Y es que no recuerdo nada que me haya atrapado tanto como la historia de los Corleone. El libró fue engullido por mis entrañas en unos pocos días, y el resto ya es historia. Se trata de la única película que idolatro, que no me canso de ver y que me emociona siempre. Y cuando digo siempre, es siempre. Quizá estoy pasado de vueltas o quizá estoy más estancado que las aguas del cauce del barranco de las Ovejas, pero nunca una película me tocó tanto como ésta.

He decidido no hablar del argumento de la película o del increíble reparto de forma deliberada. Estoy seguro de que muchos todavía no han podido paladear esta obra maestra atemporal del cine, y no seré yo quien les arruine la experiencia.

A continuación dejo el trailer y un enlace relacionado con la película. Disfruten del espectáculo:

40 curiosidades The Godfather. (a través de cinemania.es)

P.D. El libro, como suele ocurrir, es infinitamente más rico y sabroso que el filme, pero en este caso considero que el orden de los factores no altera el producto, al contrario que la mayoría de los casos.

AC